Ely Guerra: Un intenso placer... (2004)

“Ahora estoy explosiva, ahora me siento irreverente, me siento libre y en cierta medida me lo han aceptado, o sea, mucho, como que no les asusta. Hay gente que se siente cómoda con una expresión así de cruda y yo necesitaba hacerlo en mi país con mi banda, necesitaba acercarme a lo que hacemos en vivo”

Foto: Dante Busquets

Ely Guerra acompañó al grupo nacional La Ley en una versión para “El Duelo”, en el unplugged grabado para MTV (2001), sorprendiendo a todos con su voz, pero pocos sabían que tenía tres discos editados en el país del norte. Por esos días se presentó en el local capitalino La Batuta, sola y con una guitarra prestada. “Fue una bienvenida muy cálida, había gente que se sabía las canciones, me pidieron algunas. Me sorprendió muchísimo, pero también recuerdo que había una sensación de ¿Quién es Ely? Porque finalmente eso era ¿Haber qué más hace? Y me dio la impresión que no les defraudé”, recuerda. Ahora llega a nuestro país con un afro setentero y la actitud de una rockera que la ha puesto en las portadas de revistas de moda. Para ella es algo natural, parte de su instinto, el mismo que la hizo dedicarse a la música y grabar su primer disco, titulado “Ely Guerra” (1994), sin tener conocimientos de cómo funcionaba la industria. Desde esos años su voz ha sido lo más aplaudido y su manejo en el escenario ha sido comparado con Pj Harvey.

Su madre la grababa cuando ella cantaba la ranchera “El Rey” a los dos años, pero sus héroes de pequeña eran escritores como Octavio Paz, Benedetti y Sabines, por lo que entendió que por ahí iba su crecimiento,“Pensaba que iba a estudiar filosofía en letras, me gustaba mucho esa relación de las palabras, el juego”. Tanto le gustaba que escribió su primera canción con guitarra a los 9 años y se dio cuenta que no era muy necesario estudiar formalmente para desarrollarse en la composición. “Nunca, nunca he estudiado música. Es vocación”, enfatiza.

Antes de su concierto del 23 de octubre en el Teatro Providencia, tocó en el Festival Quilmes de Argentina, en unas fechas en Estados Unidos y después en el Festival Rock al Parque de Colombia. Ahora se presenta ante un mercado que no la conoce, por eso define esta etapa como un proceso de confrontación, pero que "los conciertos son un relajo, pero estar sólo de promoción me cuesta trabajo, porque como quererte vender un producto me resulta ilógico. Un músico tiene que estar en el escenario”. Pero igual debe promocionar su último disco “Sweet & Sour, Hot y Spicy” (EMI - 2004) y para ello nos espera en una sala de reuniones de su sello discográfico, en donde responde fuerte y claro.

Tu primer álbum “Ely Guerra”(1994) se dice que no te definía como artista y no fue bien recibido ¿Prefieres olvidarte de ese álbum?
Para nada, la verdad es que yo creo que finalmente fue mi primer acercamiento a todo. Ahora que lo escucho puedo decir que sónicamente no es el disco que más me gusta, pero en definitiva es totalmente transparente, habla de mí.

Los discos “Pa’ morirse de amor” (1997) y "Lotofire" (1999) tienen muchas diferencias y en el nuevo suenan más las guitarras ¿Se puede acostumbrar el público a esos cambios?
Lo que percibo es lo que son realmente mis seguidores, gente que se involucra mucho en la lírica, en el contenido. Además, como he venido echando manos de muchas cosas no es sorpresa que salga con un disco completamente diferente. Puedo decirte que hasta procuro hacer esos cambios determinantes. Entonces, al yo no estar comprometida con un estilo musical me da mucha libertad de poder expresar con eficacia en que momento me siento.

¿Entonces con el nuevo “Sweet & Sour, Hot y Spic”(2004) te sientes más cercana al rock?
Bueno, ahora estoy explosiva, ahora me siento irreverente, me siento libre y en cierta medida me lo han aceptado, o sea, mucho, como que no les asusta. Hay gente que se siente cómoda con una expresión así de cruda y yo necesitaba hacerlo en mi país con mi banda, necesitaba acercarme a lo que hacemos en vivo, porque mucha gente me decía que le encantaban mis discos pero me preferían en vivo. Generas otra atmósfera, interpretas de otra manera, improvisas.

Has estado rubia, pelada y ahora con un afro ¿Qué importancia le das al look en cada disco?
Lo curioso es que no voy por discos, he ido por estados de ánimo, por ejemplo ya me urge quitarme este afro. Lo decreté. Tiene más de un año.

Pero te queda bien...
Rockea durísimo (ríe) Recuerdo que la compañía disquera se fue para atrás cuando me vieron, fue como ¡Oh Ely! ¿Qué hiciste? Son estados de ánimo que para mí, es importante que los respeten. La gente del fashion en México se voló con el afro, fue como ¡Wau! y por eso me empezaron a dar la portada de Marie Claire, de Elle, y fue como ¿Por el pinche afro te caí? También me dijeron “Como que todos quedamos fríos ¿No pensarás aparecer así en la portada del álbum?” Y les dije ¿Qué no?.

Los medios siempre tienden a comparar a las figuras latinas con las anglo o europeas. Se te compara con PJ Harvey en tus shows en vivo ¿Qué te pasa con eso?
Lo quiero tomar desde el punto que lo que están ofreciendo como comparación es que es una artista auténtica y tiene una propuesta personal, porque si tú oyes la música de Pj Harvey y la mía no tienen en común nada. Me halaga pero tampoco me lo adjudico ni me estudio las actitudes de Pj Harvey para ver que hago yo, o sea, no.

Dijiste que fue muy importante pasar los treinta años para este disco ¿Cómo se ve reflejado?
Venía esperando los treinta años con mucha ansiedad. Yo en ese momento estaba soltera, me sentía segura, tenia una autoestima alta, me gustaba mi cuerpo, me caía bien, me reía de las tragedias, ¡podía con todo pues! Y de repente entra el amor, pero entra con un placer total y empiezo a descubrir que en gran medida las mujeres o al menos esa es mi visión, hemos siempre estado en búsqueda de la felicidad, del placer, de la autocomplacencia, y al fin cuando llega la oportunidad te lo castigas. Es un poco una terapia el disco para mí, porque habla de dos mundos: ser vulnerable y segura.

Ahora que vienes a mostrar tu show en vivo ¿Te molesta que en Chile te repitan en cada entrevista que eras la voz junto a La Ley en el Unplugged?
Es algo que encuentro lógico, me da flojera que es distinto. Es redundar en algo que ya lo vimos que estuvo... Ya, a lo que sigue. Pero no me molesta y tampoco lo castigo, es lógico, vengo al país donde La Ley, tengo por entendido, es una banda importante y en mi país la gente que me habla de “El Duelo” me dicen que es un clásico. Me imagino que esta pregunta o esta orientación hacia el tema va a seguir existiendo, así que mejor lo tomo con calma.

¿Qué te pareció esta primera visita a Chile con tu show completo?
Pues, un gran sabor de boca, la verdad es que después del sábado, platicaba con Gilberto (Cerezo, su novio, integrante del grupo Kinki) en el teléfono y decía que es importante esta visita, porque era estar en un teatro solos, en realidad nosotros hemos venido haciendo festivales, compartiendo escenarios y ahí tienes el teatro para ti Ely. Lo que me deja es entender que estamos abriendo caminos.

www.elyguerra.com

Congelador: Rompiendo el Hielo

Con una prolífica producción, el grupo insignia del movimiento independiente ha comenzado a traspasar sus límites. La realización del primer video clip de su trayectoria y la próxima gira por España son parte de un nuevo comienzo, pero sin transar con nada su ideología musical.

El frío se hizo presente al llegar a la céntrica sala de ensayo utilizada por el cuarteto nacional integrado por Walter Roblero, Jorge Silva, Rodrigo y Jorge Santis. Algo que se olvida cuando comienzan a tocar los acordes de los temas incluidos en “Cuatro” (2002) álbum que los llevará pronto a Europa. Ese material será acompañado por una nutrida discografía que incluye los aplaudidos y “Iceberg” (2001), “Despertar” (1999) y “Congelador” (1998).
Retrocediendo al año 93, algunos integrantes escribían en fanzines sobre bandas nacionales. Tiempo después, gracias a haber participado en un compilado y la edición de su primer álbum, ellos fueron protagonistas de comentarios en diarios y revistas (de poco y gran tiraje), en donde fueron tildados de muchas formas: post rock, copia de Sonic Youth, Hype, o cualquier estilo que rondara en los “circuitos especializados”. No es un tema preocupante pero si repetitivo. “A nosotros no nos molesta demasiado. Creo que si seguimos tocando, a futuro nuestra música podrá traspasar clasificaciones si hacemos cosas interesantes”, señala Roblero.
Congelador pertenece a la cada vez más necesaria escena independiente, pero no por eso las ganas y la visión de avanzar son menores a las de un grupo superventas. Jorge Silva señala que todo se reduce a que “todos los músicos que quieren tocar, independiente si sacan discos van a seguir tocando. El que quiere hacerlo siempre lo va a hacer. Si eres honesto y haces tu trabajo correctamente es como ilógico no avanzar”, por eso, explica Jorge Santis, ellos mismos se abrieron el camino en la industria local, para hacer lo que quieren y cuando quieran: “Hemos establecido un sistema de autoproducción que ya nos da la tranquilidad de saber que vamos a poder editar discos”. Un sistema que se refleja en el incipiente sello discográfico Quemasucabeza.
Antes de comenzar con la autogestión, aparecieron en el compilado “Pulsos (2008), junto a LEM, Cáncer y El Hombre de la Atlántida, bandas que ya no existen en una producción en la que según Roblero “todo giraba en torno a las pretensiones. Habían grupos que querían irse por el camino más fácil, que la gente los pescara y hacerse famosos inmediatamente. Nosotros nunca nos planteamos eso, sino que como una cosa artística y no un negocio”. Por eso creen seguir vigentes, porque su máxima pretensión es seguir produciendo discos: “Que nos pesquen o no, no nos frustra. Que el grupo se termine no va por la respuesta, sino por nosotros. Todavía tenemos ganas y mientras existan seguiremos. Nunca fue por el éxito, de hecho tampoco vendemos una gran cantidad de discos”, asegura Rodrigo Santis.
El público nacional no es sencillo de seducir, básicamente por la fascinación por el producto internacional, aunque sean bandas desconocidas. A Congelador se les ha comparado con grupos que cuando vienen a Santiago llenan los recintos en donde se presentan (Tortoise, Mogwai, Yo La Tengo, etc), pero cuando se trata de apoyar a quienes pueden competir de igual a igual la cosa no funciona mucho: “Tiene que ver con lo snob que es la gente, tienen un ánimo demasiado entusiasta con la cosas de afuera y lo contrario con lo de acá. La gente prefiere comprar un disco extranjero que uno de un grupo chileno”, dispara Roblero.
Hoy, su evolución muestra un acercamiento al formato canción, pero sigue ahí la experimentación que puede nacer de temas instrumentales. Dos facetas que según Roblero no tienen porque estar separadas: “Todo es uno, todo forma parte de lo que nos gusta hacer. Los temas instrumentales igual están tratados como canción y es para satisfacer todas las posibilidades que hay en la creación, porque hay temas a los que les hace falta voz pero otros que funcionan solos”. Una fusión que no conoce límites, porque los formatos rígidos no van con la forma que tiene Congelador de ver la música: “Se dan esas dos vertientes. Nos gusta la canción más clásica, más cliché, y por otro lado hacer cosas más libres sin tanta estructura”, señala Santis.

Conservación por efecto del frío…

Desde hace un tiempo el grupo está cambiando el recorrido. Ya no creen mucho en el elitismo que rodeaba el nacimiento de la escena indie local. Para ellos eso ya es tema superado: “Cuando alguien viene con ese discurso, tratamos de hacerle ver que no es así. Es como un pensamiento escolar de gente que sataniza el dinero y no saben lo que cuestan las cosas", dice Roblero.
Esa mentalidad los hizo decidirse a convertir “Volar con Dios”, el segundo single del disco “Cuatro”, en imágenes, lo que generó que algunos seguidores, sin siquiera ver la obra terminada, tuvieran sus reparos: “Nos escribió gente que nos escucha desde hace tiempo diciendo que se sintieron traicionados porque hicimos un video con Jorge Olguín. Para ellos significaba que íbamos a salir en radios y no seguiríamos siendo su tesoro escondido”, recuerda Jorge Santis.
Todo fue producto de las colaboraciones. La participación en el soundtrack de la película “Sangre Eterna” del cineasta nacional, con los temas “Protégeme” y “Despertar”, llevaron a que les ofreciera dirigir para ellos. “Personalmente creo que es uno de los mejores videos que hemos visto, sobretodo de grupos independientes”, recalca Santis, agregando que sí existió el miedo de terminar convertidos en criaturas oscuras, por el concepto del cine de terror que maneja Olguín en sus producciones. Aunque simple y trabajado en digital, la obra habla por si sola, siendo su idea central las preguntas sobre creer, ser y trascender. Un clip que ya está rotando por los canales musicales.
Además de ese avance en su carrera, el grupo se prepara para una gira a España que comienza el 6 de noviembre. En ese país editarán una versión de “Cuatro” con un cover de Stone Roses. Una visita gestionada con el sello Astro Discos para recorrer diferentes ciudades con La Habitación Roja, una banda independiente de ese país, en una escena mil veces más grande que la nuestra. “Nos vamos con ellos. En Barcelona hay un mini festival de Astro, pero la gira es por 10 semanas. En Madrid tenemos una fecha solos, en la tienda de discos Snacks”, adelanta Santis.
El viaje significa para ellos hacer bien el trabajo, hacer contactos y darse a conocer entre el público que gusta de la música que realizan. Astro Discos define esto como una primera etapa, en la que las puertas quedan abiertas para volver a tocar un nuevo disco. Walter Roblero cree que todo depende de la energía, las ganas y lo que proyecten: “Nos interesa España, porque tiene una escena musical muy desarrollada y es gente que habla nuestro idioma. Siempre nos ha gustado hacer música en nuestra lengua, que nos entiendan. Ojalá que esto nos permita ir a otros lados, como recorrer sudamérica”.
Después de ese recorrido, el verano chileno les espera para producir un nuevo disco que pretenden lanzar en 2004. Un trabajo que apuestan será mejor que todos los anteriores. Para lograrlo trabajarán como hasta ahora dejando todo, literalmente, desde esta sala de ensayo hasta el estudio de grabación. La idea es seguir sonando como quieren, reales y sin presiones externas. Una forma de creación que según Rodrigo Santis “depende de las personas que están tocando en la banda, que el enfrentamiento sea de verdad, esa es la única forma de no tener más aspiraciones que tocar música y crear. La música es el reflejo de cómo son las personas, entonces si estás haciendo algo honesto es inevitable que eso no se refleje”.

*2003
www.congelador.cl

Muza: Hechizo electrónico

Pasó del pop más comercial a experimentar con la electrónica. Cambió los sellos multinacionales y los prejuicios de la escena local por dos discos editados independientemente. El último, “Cambio de Estación”, ya logró una distinción internacional.

Está escrito en la historia del pop nacional. Bajo el nombre de Sol Azul, aparece en 1996 el disco “Historia Leyenda” (Warner), cuyo single, “Atrévete a Amar” no dejó de sonar tras convertirse en el tema central de la teleserie Adrenalina (Canal 13), con aquel pegajoso coro que repetía “baila baila sin parar...” y que hasta hoy sigue a su creadora: Sol Aravena.

Cuando ese álbum fue un éxito discográfico la compositora se dio cuenta que su camino iba para otro lado, pero muchos no le perdonaron su pasado. El radical cambio de un éxito radial a nuevas sonoridades no se comprendió cuando “Dos Lunas”, una especie de drum’bass onírico, comenzó a sonar en radios.

Pero todo tenía una explicación. Su historia no empezó ni terminó con Sol Azul. Antes fue parte del grupo new age Equs y hasta hoy colabora con el proyecto étnico Subhira. Algo de eso hay en ese primer trabajo bajo el nombre de Muza, “Dream Electrónico” (1999), una mixtura heterogénea de electrónica, percusiones y letras poéticas.

¿Por qué cambiar la comodidad del pop radial por un trabajo como “Dream Electrónico”?
No hay nada más reconfortante que la libertad de acción y de sentir que estas siendo consecuente con tu corazón. Creo que eso hice y la gente entiende cuando algo es de verdad, lo que pasa es que no siempre está al alcance de todos escuchar lo que no sigue el patrón, pero cuando se juntan los mundos de una persona y el mundo de un artista sucede una conexión exquisita y duradera. Por esa conexión que siento de las personas que escuchan a Muza vale la pena seguir en este lado.

¿Cuál es la evolución de ese primer trabajo como Muza con “Cambio de Estación”?
Siento que la gente que lo ha escuchado se ha encontrado con mi música, involucrándose con ella, en ese sentido ha sido mucho más aceptado que el disco anterior, porque estamos en el 2005 y la gente está más acostumbrada a este tipo de sonoridad y sobre todo en las presentaciones en vivo que es una experiencia bastante potente, que te puede gustar o no pero en ningún caso te deja indiferente.

Su nuevo disco será re-editado por Petroglyph Records, un sello independiente norteamericano que se interesó en publicarla tras obtener el reconocimiento al Mejor Álbum Dance en los Independient Music Awards, una iniciativa que busca difundir música de diferentes países en América del Norte y Europa.

Para apoyar ese logro, se está concentrando en la promoción de su álbum, lanzando su nuevo sitio web, www.muzadream.cl y trabajando en videoclips. Los encargados de esa tarea son el colectivo audiovisual Sure (realizadores de “Santa Lucía”, ganador del premio al mejor cortometraje ficción en el XI Festival De Cine de Valdivia), quienes trabajaron bajo el concepto stop motion (cuadro a cuadro) en el video para “Cambio de Estación”, que ha impresionado por la originalidad de su propuesta. Una técnica que ya habían utilizado en clips para músicos como Rosario Mena y que piensan continuar con el cantautor Gepe.

Realizaste el primer video de este disco con Leo Medel de SURE ¿Qué te dejó la experiencia de grabar en stop motion?
Un dolor tremendo de espalda y sudor... pero no lágrimas, al contrario, los integrantes de Sure son un equipo tremendamente creativo y entonces fue muy fácil confiar en su talento y el resultado es este video, muy original, estéticamente hermoso con una excelente crítica de los entendidos y que ha servido mucho en la difusión de mi música. El video para el segundo single “Luna Azul” también lo haré con ellos y está en etapa de pre-producción.

El disco será re-editado en Norteamérica ¿Cuáles son los pasos a seguir cuando ocurra?
Espero poder llegar a mas personas en el mercado mundial al que ellos esperan distribuir, también se abre la posibilidad de hacer giras por estados unidos principalmente en el circuito que la gente de Petroglyph Records maneje. Antes de comenzar a trabajar con ellos tengo contempladas algunas presentaciones de Muza en Alemania y España.

¿Qué quieres lograr con tu “Cambio de Estación" en esos viajes?
Demostrar que es posible llevar a las personas a un viaje, hacerles sentir extremos de emoción, e incentivar a dar una mirada al interior de cada uno, una vez allí volar y dejarse llevar por la música... en el fondo ayudar a meditar.

*2005
www.muzadream.cl

Amongelatina: Explosión Sonora

“Sauna Cabaret” es el nombre del debut y su objetivo dar a conocer una mezcla de ingredientes que han mezclado desde que decidieron hacer explotar los oídos de la masa, pero de una forma alegre y con las ganas de ser algo más que una promesa.

Historia: Se formaron en 1999 y luego de unos meses editaron un disco con ocho canciones con títulos como "100% Polyester". En septiembre de 2000 telonearon a los franceses Holden en el Teatro Providencia. Comenzaron a sonar en algunas radios santiaguinas y a tener un circuito de tocatas. Luego decidieron grabar en los Estudios Elefante (Ayacucho) algo más elaborado, mezcla de easy listening, pop, bolero, electrónica y rock. Durante ese proceso se retiran dos integrantes, Romina Tirón y Marcel Molina, para en la actualidad seguir con los fundadores Pedro Pablo Silva (voz) y Peter Estay (batería), agregándose Cote Velasco (bajo) y Max Feller (teclados)

Todo este trabajo “costó harto… nos demoramos en grabar nuevo material y cuando tuvimos lista la nueva formación, en vez de darnos un tiempo para conocernos mejor y afiatarnos, empezamos a grabar altiro”, declara la voz del grupo, pero asegurando que superaron esta etapa, ya que para llegar al resultado final las ideas de todos fueron incorporadas.

“Cuando llegué al grupo tenía una volada bien lounge, pero ha cambiado heavy, ahora hay influencias de música de orquesta, británica, además de los ritmos nortinos de Peter y los sintetizadores de Max, entonces igual queda algo difícil de definir” señala Velasco, a lo que se suma la opinión de Feller antes de ser parte de la banda: “Siempre me gustó mucho el sonido del grupo porque no era algo encasillable, o sea, tú no podías asegurar si era pop o rock. Cuando yo entré efectivamente era algo más lounge pero ha ido evolucionando”, lo que queda de manifiesto al oir influecias cinematográficas y algo de psicodelia.

Entretención es la palabra que más suena durante la conversación y es la que mejor define el lanzamiento de “Sauna Cabaret” (Cápsula – 2004), un disco que según el baterista, Peter Estay, no está pensado como “música para músicos”, a lo que se agrega la opinión de Silva con unas palabras que la mayoría de los músicos nacionales utilizan poco o definitivamente borraron de su vocabulario: “no somos virtuosos y no nos interesa. Sólo nos interesa hacer lo que nos gusta y pasarlo bien”. Es por eso que necesitan el feedback con el público y han estado realizando presentaciones en Santiago y la Quinta Región.

¿Cuál es la forma perfecta para darse a conocer?

Estay: “Básicamente tenemos que tocar, lo malo es que la gente sólo se entera con la cartelera del fin de semana de lo que pasa, de lo contrario se quedan en la música que la radio les impone. Nosotros queremos llegar a esa gente, la que por difusión no tiene el acceso a las tocatas”.

Feller: “Es que una presentación en vivo no la puedes piratear, o sea, se puede piratear un disco, un video, pero una tocaca no y es a eso lo que queremos llegar”.

¿Y el mercado nacional da para plantearse una carrera musical?

Estay: “Las bandas se están dando cuenta de que tienen que salir fuera del país y, ojalá, no pelearse le mercado nacional y buscar una internacionalización de forma independiente, así es como lo han hecho algunas bandas de acá que se van a Europa sin gran apoyo de sellos. Está más madura la cosa y puede ir mejorando”

¿Los sellos independientes podrán competir con las multinacionales?

Silva: “En el fondo, yo creo que van a tener que transar en conjunto los sellos chicos con los grandes. Un sello independiente se puede formar en Argentina, en Perú o en Chile y la banda lleva su carpeta con el disco ya grabado y la cosa se hace mucho más fácil, ya hay parte del trabajo hecho. En ese sentido sería súper heavy que Amongelatina vendiera lo suficiente como para respaldar a un sello nuevo como es Cápsula Discos”.

Ya tienen rotando el video clip del primer single títulado “Rosa”, pero esperan seguir sumando y pasar a las radios, los rankings y seguir mostrando lo que hacen. Aunque este intento no sea el golpe máximo en la industria de la música nacional, sí hay proyectos y las ganas de innovar. Pero también puede ser toda una revolución sonora y ojalá así sea.

Es Cierto que...

La energía de este álbum queda de manifiesto con el primer single, “Rosa”, una efectiva experimentación sonora que no esconde un fin comercial, pero que deja la duda si estamos ante algo completamente nuevo o si todo es parte de un estudiado reciclaje. “Es Cierto”, es el segundo corte promocional que se sostiene en la teatral voz de Silva y en una letra que encierra la simpleza de todas las composiciones, “Es cierto que ya no te excito que ya no existo cuando sexo entre los dos”, lo necesario para convertirse en un poderosa arma para animar una fiesta.
Dentro de esta inclasificable carga explosiva lo más normal es “Llanto Amargo”, que versa sobre una desilusión amorosa de quien espera más de lo que le dan; “Lágrimas Perdidas” está más ligada al rock europeo, con guitarras potentes, teclados precisos y un mensaje que invita a sanar las heridas del corazón, para seguir con “Al Despertar”, una confesión de infidelidad y “Eh-eh” sobre un amor no correspondido. Todas con una irrenunciable capacidad de hacer bailar y que cobran más fuerza en las presentaciones en vivo del grupo, algo necesario para conocerles en profundidad, ya que el disco deja gusto a poco o, mejor dicho, con las ganas de que las guitarras y la batería suenen con más potencia.
“Flint” es un instrumental acompañado de una flauta traversa, que junto a “Play No” y un homenaje al lugar en donde dieron vida a este trabajo, “Ayacucho”, dan el toque cinematográfico y marcan el protagonismo de los teclados. El final es “Quiero”, una humorada que puede significar el contrapeso a tanta desilusión amorosa en un disco que clarifica que Amongelatina es una banda que invita a entretenerse sin la pretensión de parecer serios, algo tan necesario en la poco lúdica escena nacional.

* 2004

Vea "Es Cierto" Aquí

Julieta Venegas: La Novia del Pueblo

“Yo era de los escépticos que pensaba que la alegría no te enseñaba nada, pero también te enseña cosas, como también la tristeza, como lo feo te deja cosas, la alegría y las cosas buenas también”

Las primeras veces que pisó Chile fue como pareja de Álvaro Henríquez. En esos días tenía un disco editado llamado “Aquí” (1997) que define hoy como una “muy personal declaración de principios”, pero en nuestro país pocos conocían su carrera. Acompaña algunos recitales del ex líder de Los Tres (y Petinellis.. y solista) hasta que la relación termina y la mexicana, con un nuevo trabajo bajo el brazo (“Bueninvento” - 2000), se presenta en el Teatro Oriente el 2001 para saldar cuentas en un show que la mostraba como una cantautora intensa que se sorprendía del cálido recibimiento del público,“había tenido vivencias muy personales acá, no tenía muchas expectativas de que iba a llegar gente aparte de mis amigos y las familias. Pero el público vino con una súper buena onda y me hizo ver la magia de la música, porque uno no sabe a quién le está llegando realmente. Fue una noche increíble”, asegura.

Es el día después de un exitoso concierto con la siguiente celebración, pero madruga, cumple y se sienta a conversar en el bar del hotel, es más, sin ningún divismo se muestra contenta por el interés de la prensa en cada visita. No es para menos, desde su presentación en el Teatro Providencia (mayo 2004) hasta su paseo por Concepción y el Estadio Víctor Jara (noviembre 2004), trae bajo el brazo un Grammy al mejor álbum rock solista y unos cuantos galardones en la premiación latina de MTV por “Sí” (2004), su último disco. Acaba de cumplir 34 años y este se ha transformado en el periodo más importante de su carrera.

¿En qué aspectos sientes que han pasado los años desde “Aquí”(1997) tu primer disco?
He ido aprendiendo cosas y eso te hace ver lo que hiciste antes, pero me parece un disco bueno, estoy orgullosa, porque siendo el primero y de alguna manera muy personal, fue una manera de plantear toda mi trayectoria. Al hacerlo sin condiciones ya como no me tengo que prestar a que me digan a estas alturas de mi vida que, por ejemplo, tengo que cambiar una letra. Si no lo permití o lo tuve que hacer en el primero no lo voy a hacer después.

¿Y el sello discográfico aceptaba todo lo que querías hacer sin condiciones?
La disquera sabía lo que firmaba, sabía en lo que se metía (ríe) ahora puedo decir que ya renovamos contrato, pero cuando yo llegué iba con una hoja hasta con los productores. En un momento me hubiera gustado que alguien me diera otras opciones, pero tuve que buscar sola, es más duro, pero creativamente vale la pena, da una tranquilidad y la satisfacción de, funcione o no, hacer un disco como yo quiero que sea.

¿Y te molestó el apodo de la Bjork mexicana o la Pj Harvey latina?
Es súper normal que la gente busque un paralelo, yo creo que habiendo muchas mujeres en la música siempre te van a poner en paralelo con alguien. Además eso se me hace un poco latino en el mal sentido. Nosotros también tenemos un valor en la música, no lo digo sólo por mí, pero no entiendo esa visión de poner etiquetas o ponernos en otro nivel porque yo siento que estamos en el mismo nivel.

Con “Bueninvento”(2000) saliste del mercado mexicano a otros países ¿Cómo te planteaste la internacionalización?
Nunca pensé ni planifiqué si quería ser una figura internacional, ni ahora ni en ninguno de mis discos he pensado así, a lo mejor debería, pero tengo gente alrededor que lo hace por mí, tengo un manager, gente de la disquera que me propone cosas. Y pienso lo bueno que es tener gente alrededor que hace su trabajo, porque yo soy un desastre en eso, si tengo el disco listo, está bien para mí.

Pero el éxito llegó y en México hasta te apodaron “La Novia del Pueblo” ya que “Sí”(2004) llegó al número 1 en ventas ¿Qué sientes cuando tu compañía discográfica lo edita en Estados Unidos, Chile, Colombia, Ecuador, Argentina y España?
Es raro en el sentido de no estar acostumbrada, pero no es algo que me quite el sueño. Es algo lindo, porque lo veo de mi lado, de tener más lugares donde tocar. Si antes viajaba sola tenía que armar una banda en España para tocar, ahora puedo llevar a mi banda. Me da más chances de ir a más lugares que es lo que quiero, es lo que ambiciono. Estar aquí en Chile presentando el disco, ir a Buenos Aires que nunca había ido a tocar a Argentina, nunca se había editado un disco mío ahí.

¿Y si no hubiera funcionado?
Estaría dando vueltas aunque sea por México, por dos ciudades, pero lo estaría haciendo feliz de la vida. Por eso estoy como dicen acá chocha a más no poder.

¿Por qué cambiar la tristeza contenida por la tristeza escondida en alegría de Sí?
Es que no soy la misma de los otros discos, yo creo que eso es lo natural. Para mí hubiera sido lo más fácil del mundo hacer un disco como los anteriores porque ya lo hice, pero a la hora de sentarme a componer este disco me planteé hacer algo totalmente diferente y era más difícil para mí. Cualquiera que me vea ahora se da cuenta que hay un cambio y no lo voy a negar. Es lo que hace que tenga encanto dedicarme a esto porque si no imagínate, si en un tercer disco me hubiera tenido que quedar en un sólo lugar habría sido, no feo, pero aburrido.

Entonces ¿Todavía te sientes insegura o ahora está más presente el ego?
No te puedo decir que porque me este yendo bien eso cambie, creo que tiene que ver mas con el carácter de uno. Me siento bien, estoy en un buen momento como mujer, pero no sé si tiene que ver con el éxito o no, me siento bien, como balanceada, no estoy inflada. Esa es la ventaja de que me sucedió con el tercer disco. No me siento como si todo puede cambiar de ahora en adelante, todo puede cambiar todo el tiempo, para bien y para mal. Ahora ha cambiado para bien.

¿En qué se puede notar tu cambio?
Yo era de los escépticos que pensaba que la alegría no te enseñaba nada, pero también te enseña cosas, como también la tristeza, como lo feo te deja cosas, la alegría y las cosas buenas también. Creo que es bueno balancearlo siempre. Es normal el cambio, es natural y a mí me gustan los cambios. Ahora en cuanto a lo comercial yo no sabía que iba a funcionar pero está funcionando, así que ni modo que les diga que no.

¿Qué te deja esta vez en Chile?
Más que nada siento que es un poco retomar, porque “Bueninvento” fue un disco como duro y venir a Chile fue casi una excepción, entonces para mí venir ahora y poder ir al norte, a Concepción, me dan más ganas de volver.

*2004

Matías Aguayo: Perdido en la pista de baile

Nació el 22 de septiembre de 1973 y como su padre era militante de la UP (Unidad Popular) fue detenido y exiliado. Llegaron a Karlsruhe, Alemania, donde pasó la adolescencia entre el teatro y la música, pero al pasar los años se cambió a la ciudad de Colonia justo a comienzos de los noventa, fecha de efervescencia por la electrónica. Estudió en la Academy of Media Arts y pronto el hobby se transformó en un estilo de vida, ya que por esos días conoció a Michael Mayer con quien formó Zimt, dúo con el que hicieron sonar una sola canción en 12 pulgadas llamada "U.O.A.A. Shake It!" (1998), pero reapareció en otro dúo con Dirk Leyers llamado Closer Musik para en el 2002 editar "After Love" (Kompakt), un disco aplaudido en Europa por su cercanía al soul.

Hoy visita su país de nacimiento con un nuevo y alabado álbum bajo el brazo y firmado sólo con su nombre, pero con la compañía de Roccness (Marcus Rossknecht) en la perillas. Se trata de "Are You Really Lost" (Kompakt, 2005), un trabajo lleno de sensualidad nocturna para las pistas de baile. Mientras Aguayo toca instrumentos análogos, canta, grita y suspira, su compañero programa las bases y estructuras sonoras de los temas. Eso es lo que escucharemos durante los primeros días de mayo en Santiago de Chile.

Naciste en Chile pero creciste en Europa, lugar en que se encuentran otros músicos "chilenos" haciendo electrónica como Cristián Vogel, Puma (Guillermo Contreras) o Ricardo Villalobos. ¿Podemos definirte como músico chileno?
No, no lo creo. O sea, Chile para mí es algo súper importante. Yo he estado mucho acá, la continuidad que tengo con visitar a mi familia y las raíces que las siento por la educación que me dieron, por toda la historia que conozco, por la música que es parte mía, pero de ahí a ser un músico chileno no. Nunca viví acá.

Pero participaste el 2005 en el "Encuentro de Músicos Chilenos Residentes en el Extranjero" evento que define a un grupo de músicos y estás trabajando un disco con la voz de Anita Tijoux (ex Makiza) y la guitarra del ex La Ley Pedro Frugone...
Yo trabajo mucho con Marcus Rossknecht con quien hago los live set, la producción del disco y siempre estamos desarrollando cosas nuevas. La idea era hacer un par de simples pero viendo lo que estuvimos grabando nos dimos cuenta que esto va para un álbum. Estoy creando situaciones en las cuales yo pueda encontrar algo que me pueda gustar y para eso tengo que experimentar y acá conocí músicos que me interesan bastante. Yo creo que grabar con músicos con quien uno no ha trabajado puede enriquecer y puede ampliar las posibilidades. No es algo oficial ni firmamos un contrato para trabajar juntos. Hay que ver que posibilidades hay. Les toqué mi música y como yo igual estaba pensando ampliar el trabajo de meter una voz femenina, una guitarra. pero sin esa carga de conocer el trabajo previo.

¿Por qué con músicos chilenos?
Es bastante libre todo acá y me gusta eso. En Europa siento que toda esa carga de todo lo que ya hay, entonces cada paso que uno hace es como una prueba dentro de un curso. Acá me sentí libre, más descontextualizado. Me gusta la idea de combinar las dos cosas. Las ventajas que tengo allá es toda la infraestructura de sellos, distribuidoras y todos los clubes, festivales y oportunidades para tocar. Acá esta la opción de experimentar.

Todavía en Chile estamos en el proceso de meter toda la música que tiene algo de electrónica en el mismo saco por que no hay mayor conocimiento ¿Cómo te relacionas con los estilos?
Eso tiene sus ventajas porque el encasillamiento esta muy avanzado en Europa entonces es una lata, porque la música electrónica no es un género, tampoco es sólo una manera de trabajar. Mis referencias son que yo crecí con el disco funk, después el new wave y el house unificó todo. Es solo eso. Siento más cosas en común con el soul o new wave que con algo "minimal", que quizá lo hicimos con las mismas máquinas pero no me siento parte de un grupo determinado.

Pero eres un músico que nació en Chile y que hace electrónica en Europa, es decir estás dentro de una generación...
Estuve viviendo mucho tiempo en Buenos Aires y también sentí que están fuera de ese discurso que tan interesante no lo encuentro. Mis referencias no vienen dentro de un discurso actual dentro de la música electrónica en Europa o en Alemania. Sino otras cosas, que pueden ser los Talking Heads, B52's, o puede se la cumbia, reggae, el house antiguo, DAF, varias cosas. Para mí estar al tanto de lo que están haciendo los otros músicos electrónicos no me interesa.

¿Defines tu trabajo bajo el concepto de música comercial o como una manifestación artística?
La verdad con esta música uno no puede aspirar a mucho éxito comercial, pero es algo que obviamente tengo en cuenta porque no quiero trabajar en otras cosas y he logrado vivir de eso, pero nada con que me pueda hacer rico, entonces, lo comercial para mí es algo muy separado. Si no pudiera vivir de eso me tendría que buscar otra cosa pero seguiría haciendo esa música. Lo comercial es importante para subsistir, pero no puedo crear algo con una intención comercial, no funciono así, no puedo diseñar pop.

Utilizas sonidos guturales, susurros, gritos, palabras sueltas en tus canciones ¿Por qué no utilizar una letra con un mensaje concreto?
Yo grabo la música tocándola, hago "jam sessions" y toco mucho, no es tanto programación delante de un monitor y en eso noto la continuidad de mi trabajo porque siempre estuve grabando música con gritos o sonidos que son parte del proceso, agarro el micrófono y sale. Las letras dentro de la música que yo hago se dirigen a las pistas de baile, por eso quiero dejar espacios y no en el sentido de que no sea concreto. Las frases son sólo una parte porque yo igual tengo letras pero que solas no tendrían mucho valor, o sea, es más bien el montaje con la música es donde espero crear un espacio de imaginación al cual uno puede llegar. La letra no es el contenido.

Se ha adjetivado mucho tu música ¿Cómo la definirías tu entonces?
Yo creo que la sensualidad es algo muy importante para mí en la música, cuando yo hago música es un proceso que tiene mucho que ver con la pista, con la vida nocturna, con lo que he vivido con amigos, mi relación con la música, las referencias, lo que me gusta. No creo que sea oscuro sino nocturno. Uno siempre tiende a encasillar un poco las cosas para que los demás las entiendan. Obviamente no es suficiente, es mucho más porque la música cuenta cosas que las palabras no pueden.

Antes de llegar a Chile te presentaste en el Mutek de México, en Brasil y Argentina ¿Qué deseas lograr mostrando lo que haces por Latinoamérica?
Para mí lo importante es crear continuidad, venir más seguido pero de a poco. No se trata de una fecha para tocar o la producción de un disco, sino de cultura. Mucho más allá de un evento singular. Dan ganas de hacer cosas. Me inspira estar acá.

* 2006
Información del disco Aquí

Nicole: Independencia en Tránsito

Se olvidó a la fuerza de los sellos discográficos. Tanto que hasta creó uno propio para editar “APT”, un disco en donde no tuvo restricciones porque era su propia jefa. Temas como el doble estándar y las drogas recorren sus nuevas canciones, pero también deja claro cuales son sus límites y hace una revisión del pasado. Una declaración de principios que mezcla el rock y la electrónica a su antojo.

La leyenda cuenta que Nicole se hizo muy famosa cuando era niña, que fue un éxito en el pop de los noventa, que trabajó con Gustavo Cerati (“Ahí Vamos” - 2006) a los 20 años, y que fue fichada por la extinta división latina de un sello cuya jefa era Madonna, pero ahondar en esos temas sería historia repetida. Hace un año reapareció en nuestro país para realizar algunas pequeñas presentaciones en vivo, pero todo resultó más fructífero de lo pensado. Fue invitada por el dúo Marciano para cantar en el disco “Absoluto” (Condormusic - 2005) y también por el escritor/cineasta Alberto Fuguet para actuar en “Se Arrienda” (2005), película para la que escribió “No me Confundas”, canción incluida en el disco que llega por estos días a las tiendas.

Desde antes de aquellas colaboraciones existía la idea de producir un álbum completo, y a pesar de algunas negociaciones optó por hacerlo sola: “Hace dos años me dije hay que hacerlo nomás, no tengo que esperar un contrato que nunca va hacer lo que quiero. Y la verdad es que hoy todo se presta para poder hacerlo. Claro, hay que empezar desde algo más chico, pero igual se puede hacer un disco de calidad”. Un nuevo comienzo para quien estaba acostumbrada a grandes producciones.

Pero hoy todo ha cambiado, ella es la jefa Chika Entertaiment, su propio sello discográfico independiente creado para lanzar al mercado “APT”, una producción grabada en su departamento de Miami, mezclada en granada por Barry Sage (New Order, Solar), y masterizada en Londres por Bunt Stafford-Clark (Radiohead, Suede). Una cruza entre rock y electrónica que, aunque no descubre una nueva corriente musical, muestra una menor influencia externa y la gran motivación personal de hacer lo que le gusta.

“Esperando Nada” (BMG - 1995) fue un fenómeno de ventas en el pop de los 90, “Sueños en Tránsito” (BMG - 1997) te significó un cierto respeto de la crítica y “Viaje Infinito” (Maverick – 2002) es casi una lección de instrumentación y voz ¿Cómo definirías “APT”?
Yo creo que tiene algo de todo lo que nombraste. Tiene ese pop quizás en las melodías del “Esperando Nada”, tiene la electrónica y el rock del “Sueños en Tránsito” y la preocupación por las canciones que tiene el “Viaje Infinito”, pero al mismo tiempo yendo a lo más simple en cuanto a los arreglos. Entonces como que recolecto un poco de todos los discos tratando de obtener algo nuevo en cuanto a letras más directas y con más fuerza que todos los discos que he hecho. Creo que “APT” es un disco que como “Sueños en Tránsito” será valorado en algunos años.

Pero al ser tu propia jefa pareciera que por primera vez dices y haces lo que quieres, sin seguir lo políticamente correcto ¿Deberíamos entender que es verdad que los sellos y productores todavía coartan la libertad creativa?
En algunos casos. Yo tuve mucha suerte con los sellos discográficos, la verdad que siempre pude hacer más o menos lo que yo quería con los discos. Sí existían decisiones y sí había opiniones atrás, pero yo pude convencer a toda esta gente de que lo que estaba haciendo era lo que tenía que hacer. Nunca tuve una presión tan grande realmente, yo no viví eso y tampoco es que quiera transmitir eso con este disco. Sí siento que en muchos casos, como está la industria de la música en que no se venden discos como antes, que hay mucha más presión de los ejecutivos. Creen tener estos prototipos y métodos de como hacer hasta canciones, por lo que se fue cerrando un poco la libertad creativa y los mismos artistas por tener estos contratos se fueron acomodando a lo que estas personas querían, que aunque si sabían de negocios poco conocían de música. Entonces por mucho tiempo hubo muchos artistas que hacían lo mismo, como clones de música pop, clones de música rock, estereotipos muy marcados que hacen que no exista una diversidad importante.

Lo dices en pasado ¿Crees que ha cambiado en algo?
Claro, eso lo rompió un poco el hecho de que existan todos los sellos independientes, de la tecnología por sobre todo. Poder grabar cosas en tu casa y subirlas a la red para que otros las bajen a su reproductor de mp3. Entonces la gente más joven empezó a darse cuenta que no tenían que seguir escuchando algo impuesto y si podían escuchar otra cosa, que a lo mejor, los identifica más. Todo está cambiando de forma positiva en la música yo creo. En algún momento se pensó que se estaba matando la música, pero yo creo que se está dando un vuelco interesante.

Pero en Chile los grupos que tienen muchos fans que llenan teatros siguen siendo los que tienden a repetirse un poco ¿Qué piensas cuando te dicen que hay poca continuidad en tus discos, es decir, que son muy diferentes uno al otro?
Obviamente hay años de diferencia y tecnologías y un acercamiento distinto a lo que es la música, pero el pop, el rock y la electrónica siempre han estado en todos los discos. Me parece que como músico siempre he querido escuchar discos que no se parezcan tanto uno del otro, que exista algo que conecté a los otros discos sin ser iguales. Es mucho más interesante que escuchar un disco igual a otro. Y eso es lo que yo he querido hacer, en cada etapa he conocido músicos distintos y para mí son muy importantes, porque a pesar de tener una imagen de solista siempre he trabajado como banda, con los músicos siempre compuestos, siempre les he dado una real importancia. Creo en eso de fluir, compartiendo con distintos músicos que aporten en mí algo distinto, que renueven mi música.

Te lo digo porque la reunión de Los Tres parece más una estrategia comercial con un disco que no trae mucha novedad y Lucybell hace tiempo pareciera repetir una fórmula exitosa, pero igual son grupos conocidos y comerciales que pueden vivir de la música, tener fans organizados y además ser respetados por la prensa...
Es que una banda es distinta, una banda que ha llevado mucho tiempo junta es otro enfoque. Grupos como Los Tres o como nombraste Lucybell, han hecho buenas canciones y no es que ellos piensen de forma marketera “vamos a hacer la misma fórmula”, pienso que ellos crean canciones con la misma sonoridad porque es la misma gente, mantienen ese estilo que también es súper respetable. Yo no creo que el disco de Los Tres (“Hágalo usted mismo” – 2006) porque suene como un disco que pudieron haber grabado hace cinco años, sea malo, porque las canciones al final tienen una identidad. Yo no soy crítica de eso, porque no creo que haga que un disco sea malo o bueno, o como en mi caso que un disco sea tan distinto uno al otro signifique que sea una artista buena, mala, consecuente o no. Esa es mí propuesta, y la de ellos es esa, porque la música es eso, si te llega te llega. Yo tampoco pretendo que mi música le guste a todo el mundo tal cual como a mí no me gusta todas las canciones de otros, pero sí respeto a los músicos, porque conozco el trabajo.

Igual la labor de quienes comentan un disco no es preocuparse mayoritariamente sobre el trabajo que hay detrás, por eso tienen la libertad de decir lo que la línea editorial del medio les permita. ¿Entonces qué opinas de la crítica?
Yo creo, con mucho respeto a los periodistas, que los críticos deben tener mucho cuidado a la hora de hacer su trabajo, es complejo ser crítico, sobretodo cuando se critíca algo que no se maneja del todo bien, o sea, pienso que la crítica debe tener un acercamiento mucho más como público. Y siendo músico también, porque un músico se da cuenta que no puede criticar a otro por más que no le guste, porque el gusto musical es uno, pero decir que algo es bueno o malo es muy subjetivo. Criticar es una pega muy compleja.

En tu disco igual haces crítica, hablas sobre la pedofilia, drogas y el doble estándar, pero también revisas tu pasado y dejas claro lo que estás o no dispuesta a hacer ¿Podemos leer tu disco como una declaración de principios?
Sí, puede ser. Obviamente hay muchas otras cosas que quiero decir que no están en el disco. Son cosas que siempre he pensado y he tratado de ir mejorando mi letra obviamente, porque uno tiene un aprendizaje con respecto a eso. Pero si hay un espacio para decir algo hay que hacerlo, aunque una, veinte o 100 mil personas van a escucharlo, y que de alguna manera se identifiquen con algunas opiniones, mensajes o vivencias. Al final eso es lo que te hace bien de una canción, porque una canción te acompaña, en un momento triste te consuela o te da fuerza, o puede tener una similitud con lo que estás viviendo. Eso es lo que quería con este disco, con puntos de vista, con temas específicos llegar a la gente más directamente.

Desde la composición de las canciones, la grabación y hasta como iba a ser el arte del disco, todo pasó por ti. Siendo tu propio crítico ¿Quedaste conforme?

Quedé contenta, teníamos más canciones y quedaron fuera pero no quise poner ninguna que no estuviera convencida de que marcara toda esta historia. Hoy en día es un lujo, es casi romántico y casi un compromiso de la gente que hace música el hacer discos y yo siento este disco como un concepto, como una historia en donde todas las canciones tengan una relación. Creo que este disco tiene un proceso de sonoridad y letras que van uniendo una a la otra, y es por eso que quedé súper conforme.

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Video "Si Vienes por Mí"

*2006